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11 mujeres artistas latinoamericanas que debe conocer

Un homenaje a estas virtuosas cuyo trabajo ha influenciado a innumerables artistas, pero que aún no han recibido el reconocimiento a la par con sus pares masculinos. 

Octubre 18, 2018

Pídale a una persona promedio que nombre una artista latinoamericana, y es muy probable que mencionen a Frida Kahlo. No se disputa el lugar de Kahlo en el canon de la historia del arte como maestra del surrealismo y el autorretrato. Pero incluso ella enfrentó obstáculos en su viaje hacia los libros de historia y la conciencia popular, incluida la marginación flagrante que enfrentó como artista tanto femenina como latinoamericana.

Si bien la práctica de Kahlo ha trascendido en su mayoría las lecturas sexistas, muchas otras artistas latinoamericanas no han sido tan afortunadas. “A lo largo de la historia del arte, las personas que han tenido el poder de escribir narrativas dominantes decidieron excluir a las mujeres y al arte hecho en América Latina”, dijo la curadora Cecilia Fajardo-Hill. “Es una forma de segregación, y es inaceptable”.

Fajardo-Hill es el curadora, junto con Andrea Giunta, de “Mujeres radicales: arte latinoamericano, 1960-1985”, un espectáculo en expansión que comenzó su gira en el Museo Hammer de Los Ángeles y actualmente se exhibe en el Museo de Brooklyn. Es solo la segunda exposición de un museo estadounidense a gran escala que se enfoca en artistas mujeres latinoamericanas, pero marca un esfuerzo creciente de curadores e historiadores para afirmar su influencia. “Hablar sobre las mujeres que se han pasado por alto requiere muchas exposiciones”, continuó Fajardo-Hill. “Este es el primero de muchas que deberían suceder”.

A continuación, destacamos 11 mujeres artistas latinoamericanas (de “Radical Women” y más allá) cuyo trabajo ha influenciado a innumerables artistas, pero que aún no han recibido el reconocimiento a la par con sus pares masculinos.

 

Tarsila do Amaral (1886-1973)  Brasil

Tarsila do Amaral es la artista brasileña más famosa del siglo XX, pero hasta hace poco, su trabajo recibía escasa atención fuera de su país de origen. El año pasado, el Art Institute of Chicago se convirtió en la primera institución de los Estados Unidos en presentar una exposición individual de la obra de la pintora modernista (ahora está a la vista en el Museo de Arte Moderno de Nueva York).

Un miembro de la burguesía de São Paulo, Amaral viajó a París en la década de 1920, donde tomó clases con grandes cubistas como Fernand Léger y se codeó con gente como Pablo Picasso y Constantin Brancusi. Ella trajo elementos de sus pinturas modernistas-formas aplanadas, espacio fracturado, cuerpos distorsionados-de vuelta a Brasil, pero los hizo suyos al incluir contenido ignorado por sus homólogos europeos.

Do Amaral llenó sus lienzos con escenas vibrantes de la vida brasileña y los poderosos y abundantes cuerpos de figuras femeninas. Estas pinturas inspiraron el movimiento de la Antropofagia de Brasil, que incitó a los artistas a definir un nuevo y único estilo brasileño al “canibalizar” aspectos definitorios del arte occidental. En el proceso, la práctica de Amaral ayudó a dar forma a la identidad nacional poscolonial de su país.

 

María Izquierdo (1902-1955) México

María Izquierdo era una madre soltera que criaba a tres hijos cuando sus retratos y pinturas de interiores místicos y surrealistas comenzaron a hacer olas en la Ciudad de México en la década de 1930. Anteriormente, había asistido a clases en la Escuela Nacional de Bellas Artes de la capital, donde el renombrado muralista Diego Rivera elogió sus primeros trabajos. Desde entonces, Izquierdo desarrolló una práctica que “rechazó el arte político que prevalecía en su momento”, como ha señalado la crítica Holland Cotter, y en su lugar mezcló elementos del mito y la cultura popular mexicana con contenido relacionado con su propia identidad, emociones y subconsciente. En 1930, montó una exposición individual de su obra en Nueva York, convirtiéndola en la primera artista femenina mexicana en hacerlo (incluso antes de Kahlo).

Sin embargo, la popularidad de Izquierdo entre la élite artística de la Ciudad de México comenzó a menguar en la década de 1940, cuando Rivera y su colega muralista David Alfaro Siqueiros le impidieron recibir una importante comisión mural pública por la que fue finalista (un raro golpe para una mujer artista en él hora). Los dos hombres la llamaron no calificada, y desde entonces, su carrera sufrió. Con el tiempo, su legado también se volvió nebuloso, a pesar de su influencia en los pintores surrealistas y figurativos, tanto en sus pares como en los que vinieron después de ella.

 

Lygia Clark (1920-1988) Brasil

Lygia Clark fue una de varias artistas en la década de los sesenta en Brasil para ser pionera en el arte interactivo e inmersivo, un intento de romper los límites entre el arte y la vida. Clark comenzó su práctica radical explorando la abstracción geométrica en un momento en que el realismo era todavía el motivo dominante en Río de Janeiro. Obtuvo inspiración temprana de modernistas europeos como Paul Klee y Léger, pero rompió con su estilo al llevar las formas duras de sus pinturas al espacio tridimensional. Sus lienzos sobresalían en el aire, y ella comenzó a hacer esculturas angulosas, sus famosos “Bichos (Critters)” con la intención de ser manejados por los espectadores.

Junto con otros artistas de Río de Janeiro, Lygia Pape y Hélio Oiticica, Clark fundó el movimiento Neo-Concreto, que fomentó la participación, la experimentación, la sensualidad e incluso el discurso político dentro de la abstracción. Más tarde, Clark gravitó hacia el cine y el arte interpretativo como un medio para expresar su creciente deseo de acercar el arte y la vida. Finalmente, comenzó a centrarse menos en la creación artística y más en su práctica como psicóloga. A partir de las primeras observaciones de las personas que jugaban con sus esculturas, Clark desarrolló métodos en los que los pacientes interactuaban con los objetos como parte de su proceso de curación.

 

Lygia Pape (1927-2004) Brasil

Al igual que Clark, Lygia Pape sentó las bases para innumerables artistas experimentales que buscaban cerrar la brecha entre el arte y el mundo que lo rodea. La práctica de Pape también creció desde un interés inicial en la abstracción geométrica, pero rápidamente se movió hacia la performance, la instalación y el cine como un medio para explorar las dimensiones sociales del arte. Ella hizo libros que estaban destinados a ser retenidos y reorganizados, y coreografías de actuaciones grupales.

Su trabajo más destacado The Divisor (1968), fue activado por un gran grupo de escolares de una favela de Río de Janeiro. Al asomar la cabeza a través de agujeros en una enorme sábana blanca, sus movimientos individuales se restringieron a medida que se metamorfoseaban en un solo organismo. En ese momento, Brasil fue gobernado por una dictadura, y la pieza de Pape comentó audazmente sobre las limitaciones a las libertades personales impuestas por el gobierno.

Sus películas fueron igualmente experimentales y audaces. En Eat Me (1975), ella filmó una boca de cerca mientras chupa y grotescamente escupe varios objetos. La pieza alude simultáneamente al “canibalismo” del movimiento antropofagia de do Amaral y la violencia que plagó cada vez más a Brasil.

 

Zilia Sánchez (1928) Cuba

En la década de 1960, Zilia Sánchez reinventó la abstracción geométrica de bordes duros al introducir lienzos en forma y formas onduladas que evocaban la sensualidad y el erotismo. Nacida en Cuba, Sánchez creció en los años difíciles antes de la revolución y comenzó su carrera como pintora y diseñadora de escenarios para grupos radicales de teatro guerrillero. En 1964, viajó a Nueva York, donde comenzó a hacer pinturas en forma, una práctica que desarrolló aún más en Puerto Rico después de establecerse allí a principios de los años setenta.

En las pinturas tridimensionales de Sánchez, como la Topología Erótica de 1976, las áreas puntiagudas del lienzo sobresalen en el espacio, su semejanza con los pezones realzados por las formas pintadas de color rosa que los rodean. A lo largo de su carrera, Sánchez también se ha unido a múltiples lienzos; donde se encuentran, aparecen aberturas recordando vulvas y otros orificios.

 

Marisol Escobar (1930-2016) Venezuela

Se decía que Marisol, nacida María Sol Escobar, había recibido “más prensa y más visibilidad que Andy Warhol” en la década de 1960. Pero al igual que muchas artistas mujeres, su influencia fue eclipsada por sus homólogos masculinos. Nacida en París en el seno de una acaudalada familia venezolana, Marisol comenzó a pasar un tiempo en Nueva York en la década de 1960, absorbiendo la emergente escena del arte pop.

No pasó mucho tiempo antes de que mostrara sus esculturas lúdicas y satíricas que mezclaban influencias tan variadas como los ensambles de Robert Rauschenberg y el arte popular precolombino. Las figuras totémicas resultantes representaban figuras famosas, como los Kennedy, y familias cotidianas, al tiempo que incorporaban elementos moldeados del propio cuerpo de Marisol. De esta manera, combinó lo personal y lo político, haciendo alusión al naciente movimiento de arte feminista.

 

Marta Minujín (1943) Argentina

Marta Minujín también pasó la década de 1960 instalada en el floreciente movimiento Pop art, donde ocasionalmente colaboraba con Warhol. El trabajo de Minujín, sin embargo, no se parecía en nada a las pinturas lisas y producidas en masa de su contraparte masculina de cabello plateado. En cambio, sus esculturas afelpadas, ambientes encendidos con brillantes neones y actuaciones públicas invitaron a la participación activa y al contacto físico.

En la década de 1960, Minujín comenzó a transformar los colchones multicolores en formas abultadas que hacían referencia al cuerpo humano, el sexo y el descanso. Se convirtieron en elementos centrales de entornos como La chambre d’amour (1963) y ¡Revuelquese y Viva! (1964), en el que Minujín alentó a los participantes a dejar sus inhibiciones en la puerta y rodar en un mar de cojines.

El trabajo de Minujín también ha abordado cuestiones políticas como los males del régimen totalitario y la opresión. Para la serie en curso “La caída de los mitos universales”, ella erigió réplicas de monumentos famosos como el Partenón usando objetos cargados, como libros prohibidos por la antigua dictadura argentina. Una vez que se desmantela una estructura dada, sus componentes individuales se distribuyen al público.

 

Teresa Burga (1935) Perú

A lo largo de los 60 años de carrera de Teresa Burga, ha colocado el cuerpo femenino en el centro de su práctica de flexión de pop. Sus pinturas y esculturas lúdicas e incisivas han cuestionado los estereotipos femeninos y las jerarquías patriarcales del mundo del arte. Simultáneamente, implican a los medios de comunicación y al gobierno totalitario como culpables del chauvinismo.

Burga comenzó su carrera en la década de 1960, cuando se intensificaron los disturbios políticos en el Perú. Miembro fundador de Groupe Arte Nuevo, que ayudó a presentar el trabajo de vanguardia de Pop Art and Happenings en Perú, sus primeros trabajos resistieron la preferencia nacionalista del dictador Juan Velasco Alvarado hacia el arte indígena. Las pinturas figurativas brillantes de los años 60 parodiaban las representaciones sexistas de las mujeres, mientras que las esculturas modulares construidas a partir de cubos (piensen en las Cajas de Brillo de Warhol, 1964) representaban partes del cuerpo y abordaban la mercantilización de la forma femenina.

Otras piezas fueron más intensivas en investigación. Para Perfil de la mujer peruana (1980-81), Burga y la psicoterapeuta Marie-France Cathelat investigaron las vidas de las mujeres de clase media como forraje para una instalación multimedia que explora la disonancia entre las mujeres reales peruanas y los estereotipos que se les atribuyen.

 

Beatriz González (1938) Colombia

Al recordar su carrera en 2015, Beatriz González se describió a sí misma como una “transgresora que no encajaba en su tiempo”. El artista radicado en Bogotá alcanzó la mayoría de edad en la década de 1960, en los albores del arte pop y un período de conflicto en Colombia conocida como La Violencia. González fusionó ambas influencias en un cuerpo de trabajo que hacía referencia a imágenes de la historia del arte y los disturbios sociales y políticos de su época.

Quizás en su obra más famosa, Los suicidas del Sisga I, II y III (1965), González se apropió de una foto reproducida en los periódicos locales; mostraba los rostros sonrientes de una pareja profundamente religiosa que se suicidaron conjuntamente para absolver el pecado de la mujer. González reinterpretó la imagen en una serie de pinturas brillantes y planas que ponen de relieve el trágico final de la pareja y la inquietante sensación de los medios que provocó. Otras obras cuestionan la producción en masa reproduciendo obras históricas de arte famosas en objetos domésticos cotidianos, como cortinas y toallas sucias.

 

Paz Errázuriz (1944) Chile

En la década de 1970, la fotógrafa Paz Errázuriz se atrevió a documentar comunidades marginadas bajo la dictadura liderada por Pinochet en Chile. Ignorando las leyes que restringían el acceso de las mujeres a ciertas áreas, ingresó en burdeles poblados por trabajadoras sexuales queer y trans; hospitales psiquiátricos; circos; y clubes de boxeo. Después de hacerse amigo de miembros de estas escenas dispares, ella tomó sus retratos. Las fotos resultantes irradian intimidad y calidez, reverenciando a sus sujetos y exponiendo la opresión que enfrentan. “Son temas que la sociedad no mira”, ha dicho Errázuriz sobre su trabajo en curso, ” mi intención es alentar a las personas a que se atrevan a mirar”.

 

Mónica Mayer (1954) México

La práctica feminista de Mónica Mayer se inició en la escuela de arte, cuando escuchó a un grupo de estudiantes masculinos declarar “que las mujeres eran menos creativas que los hombres porque dijimos que habíamos dado a luz”, como recordaría más tarde en una declaración del artista. En 1978, dejó su México natal para ir a Los Ángeles, donde se sumergió en el influyente Taller de Estudio Feminista e interactuó con pioneros del movimiento de arte feminista estadounidense, como Judy Chicago. Más tarde ese año, Mayer llevó su floreciente práctica de rendimiento a la Ciudad de México, donde produjo El tendedero (1979). La pieza interactiva alentó al público a terminar la frase: “Como mujer, lo que más detesto de esta ciudad es…”

Otros trabajos se burlaron de las ideas tradicionales de normalidad sexual o celebraron los deseos de las mujeres. Mayer llegó a fundar dos grupos de arte feministas propios, y ha promovido su ideología feminista a través de canales fuera de su práctica. “Creo que lo más importante que el arte feminista me ha dado es la comprensión de que el trabajo de un artista es más que producir obras de arte”, explicó. “Hacer investigación sobre el arte de las mujeres, escribir sobre ellas… enseñar, protestar y apoyar a otras mujeres artistas es parte de mi trabajo”.

 

Escrito por Alexxa Gotthardt.

Lea el contenido original en el blog Libreta de Bocetos.

 

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