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Cómo enseñar arte a los niños, según Mark Rothko

Grandes lienzos llenos de campos de color atmosférico que hace pensar “¿Un niño podría hacer esto?”. Un cumplido al expresionista abstracto.

Junio 15, 2018

Rothko admiraba mucho el arte de los niños y elogiaba la frescura, la autenticidad y la intensidad emocional de sus creaciones. Y conocía bien el arte de los niños, trabajando como profesor de arte durante más de 20 años en el Centro Judío de Brooklyn.

Para sus alumnos (desde preescolar hasta octavo grado), Rothko no era un visionario vanguardista ni una floreciente estrella del arte. Era “Rothkie”. “Un gran hombre, el miembro más amable, simpático y cálido de toda la escuela”. Como su antiguo alumno Martin Lukashok recordó una vez.

Rothko fue un líder de pensamiento en el campo de la educación artística para niños. Publicó un ensayo sobre el tema (“Nueva formación para futuros artistas y amantes del arte”) en 1934, que esperaba seguir con un libro. Aunque nunca completó el proyecto, dejó 49 hojas de notas, conocidas como “El libro del garabato”, que detallaban su pedagogía progresiva, y de las cuales hemos tomado cinco lecciones que Rothko quería que supieran todos los maestros de arte.

Lección 1: Muestre a sus alumnos que el arte es una forma universal de expresión, tan elemental como hablar o cantar

Rothko enseñó que todos pueden hacer arte, incluso aquellos sin talento innato o formación profesional. Según el pintor, el arte es una parte esencial de la experiencia humana. Y así como los niños pueden captar historias o canciones rápidamente, pueden convertir fácilmente sus observaciones e imaginaciones en arte.

(Del mismo modo, él creía que quitarle el acceso a un niño a la creación artística podría ser tan dañino como retrasar su capacidad de aprender el idioma).

Para Rothko, el arte tenía que ver con la expresión, transformando las propias emociones en experiencias visuales que todos puedan entender. Y los niños hacen esto naturalmente. “Estos niños tienen ideas, a menudo buenas, y las expresan vívida y bellamente, para que nos hagan sentir lo que sienten”, escribe. “Por lo tanto, sus esfuerzos son intrínsecamente obras de arte”.

Lección 2: cuídate de suprimir la creatividad de un niño con la formación académica

Como lo vio Rothko, la expresividad de un niño es frágil. Cuando los profesores de arte asignan proyectos con parámetros estrictos o enfatizan la perfección técnica, esta creatividad natural puede convertirse rápidamente en conformidad. “El hecho de que uno generalmente comienza con el dibujo ya es académico”, explica Rothko. “Comenzamos con el color”.

Para proteger la libertad creativa de sus alumnos, Rothko siguió un sencillo método de enseñanza. Cuando los niños ingresaron a su sala de arte, todos sus materiales de trabajo, desde pinceles hasta barro, ya estaban configurados, listos para que los seleccionaran y emplearan en creaciones de forma libre. No hay asignaciones necesarias.

“Inconscientes de cualquier dificultad, cortan el camino y superan los obstáculos que pueden convertir a un adulto en gris, ¡y presto!”, Describe Rothko. “Pronto sus ideas se vuelven visibles en una forma claramente inteligente”. Con esta flexibilidad, sus alumnos desarrollaron sus propios estilos artísticos únicos, desde los orientados a los detalles hasta los expresivos. Y para Rothko, la capacidad de canalizar el mundo interior de uno hacia el arte era mucho más valiosa que el dominio de las técnicas académicas. “No existe una buena pintura sobre nada”, escribió una vez.

Lección 3: Cree un lugar de Exposición de los trabajos de sus alumnos para fomentar su confianza en sí mismos

“Nunca fui bueno en el arte”, recordó el ex alumno de Rothko, Gerald Phillips. “Pero él… te hizo sentir que realmente estabas produciendo algo importante, algo bueno”.

Para Rothko, la principal responsabilidad de un maestro de arte era inspirar la confianza de los niños en sí mismos. Para ello, organizó exhibiciones públicas de las obras de sus estudiantes en la ciudad de Nueva York, incluida una muestra de 150 piezas en el Museo de Brooklyn en 1934. Y cuando Rothko tuvo su primera exposición individual en el Museo de Arte de Portland un año antes, trajo las obras de sus alumnos junto con él y las exhibió junto a las suyas.

Estas exposiciones dieron a los estudiantes de Rothko una emoción recién descubierta sobre su trabajo, mientras educaban al público sobre el potencial del arte de los niños. “Es significativo”, escribe Rothko, “que docenas de artistas vieron esta exposición [de trabajos estudiantiles en el Museo de Brooklyn] y quedaron asombrados y conmovidos por ella”. Rothko quería que los críticos vieran que las bellas artes solo requieren intensidad emocional para tener éxito. 

Lección 4: Introduce la historia del arte con el arte moderno (no solamente los viejos maestros)

Cuando enseñas a jóvenes estudiantes sobre la historia del arte, ¿Dónde empiezas? Para Rothko, la respuesta fue clara: Modernismo.

Con el arte del siglo XX, los niños pueden aprender de trabajos que son similares a los suyos, ya sea a través de las pinturas de Henri Matisse, Milton Avery o Pablo Picasso. Estos artistas emblemáticos buscaban formas de expresión visual puras y personales, libres de los estándares técnicos del pasado. “[El arte moderno] no ha sido oscurecido por el estilo y la tradición como el de los viejos maestros”, explica Rothko. “Por lo tanto, es particularmente útil para nosotros… servir como intérprete para establecer la relación entre el niño y la corriente del arte”.

Pero si bien la exposición al arte moderno puede ayudar a aumentar la confianza y la creatividad de los niños, no debe interferir con el desarrollo de un estilo único. Rothko desalentó a sus estudiantes de imitar obras del museo, así como su propia práctica pictórica. “Muy a menudo el trabajo de los niños es simplemente una interpretación primitiva de los fines creativos del artista maestro”, advierte. “Por lo tanto, tiene la apariencia de arte infantil, pero pierde la salida creativa básica para el niño mismo”.

Lección 5: Trabajar para cultivar pensadores creativos, no artistas profesionales

Además de avivar los instintos creativos de los estudiantes, los grandes maestros de arte pueden ayudar a los estudiantes a ser más conscientes de sí mismos, empáticos y colaborativos, y esto genera mejores ciudadanos a largo plazo, creía Rothko. En el Centro Judío de Brooklyn, apenas le importaba si sus estudiantes continuarían sus carreras en las artes. En cambio, Rothko se centró en cultivar en sus alumnos un profundo aprecio por la expresión artística.

“La mayoría de estos niños probablemente perderán su imaginación y vivacidad a medida que maduren”, escribió. “Pero algunos no lo harán”. Y se espera que en sus casos, la experiencia de ocho años [en mi clase] no se olvide y continuarán encontrando la misma belleza sobre ellos. En cuanto a los demás, se espera que su experiencia los ayude a revivir sus propios placeres artísticos tempranos en el trabajo de otros “.

Y, a su vez, la propia creatividad de Rothko fue revivida por la expresividad descarada de sus alumnos. Cuando el artista comenzó a enseñar, sus obras eran todavía algo figurativas, representando escenas de la calle, paisajes, retratos e interiores con pinceladas sueltas. Al retirarse, su estilo se transformó en una abstracción completa, tomando la forma de lienzos vívidos y llenos de color que esperaba que tuvieran un impacto intuitivo tanto en adultos como en niños.

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Gustavo González Palencia
Gran Maestro Premio Compartir 2008
ogré incentivar en niños y jóvenes el gusto por la música y la ejecución de instrumentos musicales.