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Acercamiento a los principios de la serigrafía mediante la fotografía

Un proyecto de décimo grado que nace de la necesidad de entender la imagen no como un contorno que debe ser rellenado-coloreado, sino como un tejido de manchas entrelazadas.

Enero 29, 2019

Como parte del programa de décimo grado sobre el pop art, está planteado un acercamiento a la serigrafía, técnica gráfica usada por el artista Andy Warhol dada su facilidad en cuanto a producción serial, en la realización de retratos de celebridades. En su obra, la producción masiva además de tener implicaciones conceptuales, relacionadas en su mayoría con la popularización y perpetuación de la imagen múltiple del individuo de fama, también tiene repercusiones en las características formales que adquiere la imagen.

La serigrafía es una técnica de impresión análoga, utilizada para reproducir documentos e imágenes sobre cualquier tipo de soporte. Ésta funciona mediante una malla de seda, tensada en un marco de madera que permite el paso de la tinta a un medio específico. El paso de la tinta es bloqueado en las áreas donde no habrá imagen por medio de una emulsión, barniz o stencil, de manera que queden libres las zonas donde pasará la tinta.

Como técnica, la serigrafía expone retos bastante grandes en cuanto a la producción de la imagen porque hay que descomponer para componer, es decir, un referente visual inicial debe ser fragmentado en capas que posteriormente deben ser sobrepuestas para la construcción de la imagen. Es precisamente de este punto que surge el proyecto de décimo grado, de la necesidad de entender la imagen no como un contorno que debe ser rellenado-coloreado, sino que como un tejido de manchas entrelazadas.            

Aunque suena sencillo, en la práctica se presentan grandes dificultades a la hora de trabajar una imagen por capas, motivo por el que se planteó acercarse  a esta idea a partir de un ejercicio fotográfico. Las niñas de décimo debían producir en grupos dos tipos de imágenes, las dos apuntaban a generar retratos con las características estéticas del trabajo de Warhol, una debía tener intervención digital, mientras que la otra no podía presentar ningún tipo de alteración de esta índole.

El uso de la fotografía podría considerarse un recurso aislado para el aprendizaje de los principios de la serigrafía, sin embargo, antes que nada, cabe resaltar que la naturaleza de la técnica sesga el modo de ejecución, velando o generando falta de conciencia en las característica en una forma de proceder, de manera que se naturalizan procesos que se aplican indiscriminadamente en diferentes campos, cerrando posibilidades de exploración estética y creación artística. Emular los resultados formales que permiten la serigrafía desde la fotografía, no sólo esclarecía dudas en cuanto a lo procedimental, sino que también representaba un ejercicio de percepción visual, exploración estética, e  inventiva técnica complejo.

La primera actividad, la fotografía con intervención digital abría la posibilidad a una analogía en la manera en que se imprime a varias tintas en serigrafía, a su vez presentaba una oportunidad de acercarse a uno de los programas de edición de imágenes más utilizados, Photoshop, que por medio de su herramienta de layers propició el escenario perfecto para el desarrollo del ejercicio. Por otro lado, el segundo retrato, la fotografía sin edición digital, permitía la transformación de un referente tridimensional, a una imagen plana, desprovista de características que describieran o indicaran propiedades del volumen como la luz y la sombra.

Parte de las razones que impulsaron el planteamiento de este proyecto, fue la detección de una fuerte tendencia de la población estudiantil hacia el dibujo, lo que genera dificultades en el manejo de otras áreas cuando no son contempladas simultáneamente, lenguajes como por ejemplo el de la pintura y técnicas gráficas requieren tener nociones no sólo de la de línea como sucede en el dibujo, sino que también de las posibilidades de la mancha como herramienta gráfica, a su vez, es necesario comprender el concepto de espacio positivo y negativo para jugar con la manera en la que se componen las imágenes, y por último, la idea de capa, y cómo mediante la yuxtaposición de éstas es que se erige la imagen.

Los resultados que arrojó este proyecto, fueron bastante positivos, después de un ejercicio de stencil a un sola tinta, el acercamiento al proceso de impresión a varias tintas mediante la fotografía, evidenció un mayor entendimiento y preocupación por la construcción de la imagen usando la mancha o bloques de color como elemento nuclear, a la vez, les permitió pensar con mayor rigurosidad sobre aspectos de composición y uso del color.

Aunque las dos fotografías apuntaban a un mismo fin, reproducir la estética de los retratos de Warhol, el hecho de abordarlas mediante operaciones distintas produjo características formales muy particulares; el salto de un medio a otro reveló especificidades del lenguaje propio de cada técnica, requiriendo de las estudiantes un esfuerzo especial al tener que manejarlos simultáneamente. Surgieron casos que exigieron expandir los límites del ejercicio, pues varios grupos se interesaron por la obra de Roy Lichtenstein, su pintura imita la calidad gráfica de las impresiones del comic. Nuevamente la operación es la misma, el salto de un medio a otro produciendo apropiaciones de un mismo concepto, del comic a la pintura, de la pintura al body painting, de éste a la fotografía para evocar lo pictórico.

Bibliografía:

  • Crimp, Douglas. (2005). La actividad fotográfica de la posmodernidad. (pp. 150- 162) Posiciones críticas ensayos sobre las políticas de arte y la identidad. Barcelona, España: Edciones Akal S.A.
  • Lippard, Lucy R.(1993)  El pop neoyorquino. (pp. 69-138) En EL POP ART. Barcelona, España: Ediciones Destino S. A.
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